[Feature] 한국의 잊혀진 다색 회화 재발견

국립현대미술관 과천에서 열리는 ‘생명을 위한 기도: 한국다색화 특별전’에 19세기 작품 ‘매화 책거리도’가 전시된다. (국립현대미술관)

3미터 길이의 병풍은 책장에 있는 다양한 책과 과일, 기타 다양한 품목을 보여줍니다. 밝은 색상(주로 파란색, 녹색, 노란색)은 번영을 상징하는 항목을 묘사하는 데 사용됩니다. 병풍 패널을 가로질러 오래된 매화나무가 뻗어 있습니다.

19세기 병풍화 ‘매화 책거리도’가 ‘생명을 위한 기도: 한국 색색 회화 특별전’의 일환으로 경기도 과천 국립현대미술관에서 전시되고 있다.

조선시대 한국화의 장르인 ‘책거리’ 또는 ‘책코리’는 전통회화에서 색채가 어떻게 사용되었는지를 보여주는 한 예이다. 색상이 선명하지만 조화롭게 표현되어 내츄럴한 분위기를 연출합니다.

수묵화(검은 먹으로 그린 ​​붓화)는 한국의 전통화라고 하면 대부분의 사람들이 생각하는 지배적인 장르입니다. 우리 민족을 일컫는 ‘백의민족’이라는 용어와 조선시대 백자항아리는 흔히 한국의 미학을 대표하는 것으로 여겨진다.

그러나 그림과 건물에는 많은 색상이 사용되었습니다. 건축에서 “단청” 또는 목조 구조물의 전통적인 장식용 채색은 한국 전통 건물의 공통된 특징이었습니다. 미술에서 책거리 그림은 궁중화에서 유래했지만 훗날 민화를 뜻하는 ‘민화’로 여겨지게 된 것은 전통색채화이다.

국립현대미술관 과천에서 열린

국립현대미술관 과천에서 열린 “생명을 위한 기도: 한국다색화 특별전”에서 성파의 “일어난 맹호”

“한국은 다색화의 오랜 역사를 가지고 있습니다. 국립현대미술관 윤범모 관장은 ‘생명을 위한 기도: 한국 색색 회화 특별전’에서 코리아 헤럴드와의 인터뷰에서 “국립미술관으로서 한국의 전통 채색화를 주제로 한 전시를 기획하지 못한 것이 아쉽다”고 말했다. 5월 31일 개막한다. 조선 후기 다색회화를 어떻게 즐겼는지, 그리고 그 영향이 오늘날의 작가들에게 어떻게 남아 있는지를 살펴보는 첫 번째 전시이다.

조선 후기에 만개한 민화화는 서민들 사이에서 유행했고 책거리 같은 궁중화에서 유래한 것도 있다. 과일, 글자, 꽃, 동물 등 회화의 소재와 번영을 상징하는 모란, 석류, 수박 등의 소재가 자주 등장한다.

“민화는 한국에만 존재하는 장르이기 때문에 독특한 예술이다. 다른 나라 사람들이 원색으로 그림을 그리면서 동시에 소원을 빌었던 작품은 없다”고 말했다.

전문가들은 고구려 고분벽화(BC 37~AD 668)를 한국의 다색화 발전에 중요한 역할을 한 것으로 보고 있다. 불교를 근간으로 한 고려(918-1392)도 색을 사용한 귀중한 불화를 남겼지만 현재는 소수에 불과하다. 유교가 만연한 조선시대에는 궁중화가들에 의해 다색화(多色畵畵)가 발달하여 이후 민화들 사이에서 유행하게 되었다.

국립진주박물관과 이순자진주미술관이 공동으로 3월 22일부터 6월 19일까지 7만1000여명의 관람객을 동원한 ‘한국다색화의 흐름’전을 공동 개최했다.

국립진주박물관(국립진주박물관) '한국다색화의 흐름' 설치전경

국립진주박물관(국립진주박물관) ‘한국다색화의 흐름’ 설치전경

이번 전시에서는 삼국시대(기원전 57년~서기 668년)부터 근현대까지의 한국화를 다뤘다. 이원복 전 국립중앙박물관 수석 큐레이터는 한국 색채에 대한 경각심을 불러일으키기 위해 전시를 기획한 미술 전문가 집단 중 한 명이다. 최근 전시의 인기에 힘입어 두 미술관은 내년에도 민화전을 개최한다.

이씨는 “물론 시대에 따라 다르지만 한국의 전통 회화가 수묵화에 뿌리를 두고 있다고 하는 것은 옳지 않다”고 말했다.

고려시대에는 유채불화와 청자가 주류를 이루었다면 조선시대에는 유교문학자들 사이에서 수묵화가 주류가 되었다. 조선시대에 이르러 유교가 검소함과 소박함을 이상적으로 중시하면서 원색회화는 그 위상을 잃었고 민화회화는 장식용 다색회화에 불과하였다.

컬러 페인팅 기각

1910년부터 1945년까지 일제강점기 이후 한국 미술계가 일부 색채화를 ‘일제강점기’라 칭하거나 일본에서 색채화를 발전시킨 화가로 평가받던 탈식민지 시대(1910~1945년)에 접어들면서 한국 전통색채의 위상은 더욱 추락했다. 친일 예술가. 채색기술이 발달한 일본에서 많은 한국화가들이 채색을 배웠다.

정준모 국립현대미술관 수석 큐레이터이자 한국미술인증평가연구소 소장은 “광복 이후 한국 화가들은 미술계의 오해를 불러일으키고 싶지 않아 다색화를 기피했다”고 말했다. 센터.

화원 박생광(1904-1985)도 그 중 한 명이다. 일본에서 미술을 공부한 후, 해방 후 한국 미술계에서 거절당했고, 자신의 미술을 일본풍의 색채화로 보았다. 죽기 몇 년 전에 박은 원색을 사용하여 한국의 역사적 사건을 묘사한 자신의 스타일로 그림을 공개했습니다.

국립현대미술관 과천관 “생명을 위한 기도: 한국다색화 특별전”전에서 박생광의 “전봉준”

국립현대미술관 과천관 “생명을 위한 기도: 한국다색화 특별전”전에서 박생광의 “전봉준”

국립현대미술관 윤은 “그는 말년에 색칠 스타일을 바꾸면서 작품을 혁신했다”고 말했다.

최근 민화는 전통 민속예술 장르를 취미로 하는 사람들과 이에 영감을 받는 젊은 예술가들이 증가하면서 인기를 얻었다. 오는 9월까지 열리는 국립현대미술관 전시에서 민화에서 영감을 받은 5점의 그림을 선보이고 있는 민화화가 오순경. 25, 그런 예술가 중 한 명입니다.

오수경의 연작 ‘오수신’은 오방을 지키는 오수(五向)로, 남방에는 붉은 봉황, 북방에는 검은 거북이, 서방에는 백호, 서방에는 황룡이 그려져 있다. 중앙과 동쪽의 청룡. 2~3m 높이의 작품을 한지에 물감으로 채색한다.

전문가들에 따르면 고구려 벽화의 다색화, 민화, 오늘날의 색채화에 대한 연구가 더 필요하다고 한다.

“대학에서도 전통적인 채색 기법과 재료를 추구하는 예술가들이 많이 있습니다. 그러나 1970년대 이후 정체된 한국의 전통 예술에 대한 더 많은 연구가 필요하다”고 홍익대학교 미술학과 교수이자 “1953년 한국미술: 충돌, 혁신, 그리고”의 주 저자인 정연심은 말했다. Interaction’은 2020년 Phaidon에서 출판되었습니다.

By 박연아 (yunapark@heraldcorp.com)

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